C’è un momento, nella storia del blues, in cui il genere attraversa gli Stati Uniti, arriva sulla West Coast e cambia abito. Non perde il blues, naturalmente, ma lo porta in un altro paesaggio: più luminoso, più elegante, spesso più vicino al jazz e allo swing. È il blues di T-Bone Walker e Charles Brown, quello che sembra avere imparato a stare in giacca e cravatta senza per questo rinunciare alla strada. Una linea che, molti anni dopo, ritroviamo in musicisti come Tommy Castro, Kirk Fletcher e soprattutto Robben Ford.

Ford, del resto, non ha bisogno di presentazioni: la sua storia è già una piccola enciclopedia della musica americana. Ha iniziato con i fratelli nella Charles Ford Band, dedicata al padre, e nel corso degli anni ha incrociato mondi apparentemente lontani, arrivando a suonare accanto a Joni Mitchell e Miles Davis. In mezzo, una quantità impressionante di blues, jazz, rock, fusion e ascolti che hanno finito per sedimentarsi in un modo di suonare immediatamente riconoscibile.

A settantacinque anni, Ford sembra avere ancora voglia di aprire porte invece di chiuderle. Two Shades of Blue nasce come omaggio a Jeff Beck, ma durante il percorso cambia forma. Sessioni tra Stati Uniti e Regno Unito, musicisti diversi, arrangiamenti che si aggiungono e idee che prendono il sopravvento: più che un progetto nato a tavolino, sembra il risultato di un musicista che continua a seguire la musica dove questa decide di portarlo.

E forse è proprio questo il senso di quelle due sfumature di blue del titolo. Perché cercare una separazione netta sarebbe quasi inutile. Qui il blu cambia continuamente tonalità: a volte è profondo, notturno e sporco di blues; altre volte si apre, prende luce e si avvicina al jazz. Non ci sono muri, ma passaggi.

L’inizio è tutt’altro che contemplativo. Make My Own Weather entra in scena con un groove che mette subito le cose in chiaro: basso profondo, batteria compatta, tastiere e una chitarra che non ha nessuna intenzione di stare in disparte. Rob Malarkey e Jonny Henderson costruiscono un tappeto ritmico sul quale Ford può muoversi con assoluta libertà. E mentre la canzone sogna le northern lights e il southern Mexico, viene quasi voglia di seguirla, mollare tutto e mettersi in viaggio.

Poi arriva Jealous Guy. La canzone di Lennon è una di quelle che possono facilmente diventare intoccabili, prigioniere della propria storia. Ford invece la prende, la osserva da vicino e la riporta nel proprio mondo. Non è una rilettura che cerca di stupire a tutti i costi: è semplicemente una bella versione, suonata con misura.

Con Perfect Illusion cambia ancora il paesaggio. È una ballata rock luminosa, costruita su quella sottile linea che separa la malinconia dalla speranza. Non è il brano più sorprendente del disco, e probabilmente non vuole esserlo. Ha qualcosa di familiare, quasi di già ascoltato, ma Ford sa che una canzone non deve necessariamente inventare un nuovo linguaggio per arrivare da qualche parte. A volte basta suonarla bene. E qui la precisione, il suono e il controllo fanno il resto.

Poi arriva Black Night e il disco si fa improvvisamente più scuro. La scelta di riprendere Charles Brown è perfetta per Ford. Il brano del 1951 viene rivestito senza essere travestito: l’introduzione apre una finestra sulla Big Band, gli ottoni entrano in dialogo con la voce e la chitarra torna a occupare il centro della scena. È uno dei momenti in cui si capisce davvero perché Ford sia ancora un riferimento per tanti chitarristi. Non per la quantità di note, ma per il modo in cui sa farle pesare. E da qui il disco cambia definitivamente pelle. Le parole scompaiono e arrivano Two Shades of Blue, The Fire Flute, The Light Fandango e Feeling’s Mutual. È la parte più libera e, per certi versi, più interessante dell’album. Qui Ford lascia emergere il musicista che guarda al jazz con la stessa naturalezza con cui guarda al blues. E qui torna anche Jeff Beck, non come presenza da imitare, ma come stimolo, come punto di partenza per ragionare ancora una volta su cosa possa fare una chitarra quando smette di essere semplicemente una chitarra.

È forse questo l’aspetto che mi convince di più di Two Shades of Blue: Ford non sembra avere alcun bisogno di dimostrare qualcosa, a settantacinque anni potrebbe tranquillamente limitarsi a celebrare la propria storia, ripercorrere i territori che conosce meglio e consegnarci un disco impeccabile. Invece prova ancora a spostare qualche confine, anche quando il risultato non è sempre sorprendente. Perché no, ragazzi… questo non è il capolavoro di Robben Ford. E probabilmente non è nemmeno il disco che ricorderemo alla fine dell’anno come quello destinato a cambiare qualcosa. Ma sarebbe un errore chiedergli questo.Two Shades of Blue è un disco di mestiere nel senso migliore della parola: elegante, solido, suonato magnificamente e soprattutto suonato da qualcuno che il blues non lo conosce soltanto, ma lo ha attraversato per tutta la vita. E quando Ford prende la chitarra, anche nei momenti in cui il disco procede su sentieri già conosciuti, c’è sempre quella piccola deviazione, quel fraseggio, quella nota lasciata respirare un istante più del previsto che ci ricorda perché siamo ancora qui ad ascoltarlo.

Forse le due sfumature di blu sono proprio queste: ciò che Ford ha già vissuto e ciò che continua ostinatamente a cercare. Al giorno d’oggi non è poco!

Excuse me sir, da dove sgorga tutta quest’energia, da quale angolo segreto del cuore arriva l’ispirazione che ha dato vita a un disco così luminoso? Sembra un album fuggito da un’epoca dorata della West Coast, sospinto da brezze che portano echi di David Crosby, Jackson Browne, JJ Cale e, naturalmente, del caro Ry Cooder, al quale il nostro cantautore dedicò il suo primo lavoro, My Friend Ry. Accostamenti che non vogliono certo suonare riduttivi: tutti noi, consapevoli o meno, siamo nutriti e trasformati dall’oceano di musica che abbiamo ascoltato, amato, interiorizzato. E qui lo si avverte ovunque: nella trama delle canzoni, negli arrangiamenti cesellati, nella ruvidezza di certe slide distorte à la Danny Kortchmar, nei duelli di chitarre che evocano gli ambienti di un Dave Mason post-Traffic (basta ascoltare gli assoli in Lay You Down). Un disco fatto quasi interamente di inediti, impreziosito da poche, scelte cover; un disco che irradia un’energia buona, positiva, già dal primo brano, Happy New Year. Un inizio che parla della fine: bilanci, speranze, cicli che si chiudono. Splendido il riff di chitarra di Alberto Boscolo Agostini, e il sax di Danilo Scaggiante che traccia nell’aria linee morbide e necessarie. Pacific Coast Highway si apre con un’introduzione alla Neil Young, poi si distende in una ballad che richiama il miglior Jackson Browne. Il testo, bello e schietto, invita a restare fedeli a sé stessi, con radici salde e con accanto la propria lei: un’immagine semplice e preziosa, oggi più che mai. E poi arriva 4+20 e ti sorprende la sua quiete, perché il testo parla invece di sofferenza, determinazione, solitudine. Ma qualcosa non torna, fino a quando il mistero si scioglie: nel primo verso SirJoe parla di 4+60, la sua età. E allora le tempeste ormonali dei ventiquattro anni lasciano spazio a una maturità finalmente desiderata, forse raggiunta e conquistata. Il disco gira—idealmente su un vinile, che sarebbe il suo habitat naturale—fino a Run Against the Wind, ballata che ci riporta ai primi Eagles, quelli in cui Bernie Leadon era ancora l’anima country-rock del gruppo, prima che il duopolio Frey-Henley lo cacciasse. Segue una Almost Cut My Hair storica, reinventata in chiave acustica e sognante, ricamata da dobro, steel e slide di un ispiratissimo Boscolo Agostini. Poi New Morning On the Back of a Horse, brano che un appassionato di musica strumentale non può non amare: fresco, vivace, impreziosito dal mandolino dell’instancabile Boscolo Agostini, vera risorsa dell’intero progetto. Si scorre così, piacevolmente, fino alla splendida Last Night: uno swing lento, fumoso, con un’ombra di JJ Cale e il sax di Scaggiante che diventa… be’, decisamente fallocratico (si potrà dire, no?). Friends Come and Go è forse l’emblema dell’intero disco: parla di amicizie che finiscono, ferite che bruciano più o meno a seconda dell’intensità vissuta. E l’amicizia, per SirJoe è evidentemente una cosa seria. Lo confessa un testo che racchiude il rimpianto di non essere riusciti a dirsi un semplice, salvifico Mi dispiace, ho sbagliato. Una frase che troppi, oggi, non sanno più pronunciare. Amicizia e famiglia: pilastri per chiunque abbia un minimo di sensibilità. E Sergio lo dimostra con questo lavoro maturo, compatto, frutto di ciò che ha imparato, amato e reso suo attraverso anni di ascolti, di esperienze, di vita. Un risultato personale e perfettamente riuscito. Bravissimi tutti i compagni di viaggio: oltre ai già citati Boscolo Agostini e Scaggiante, troviamo Gianni Spezzamonte al basso, Marco Campigotto alla batteria (family group), e ospiti molto graditi come Max De Bernardi alla chitarra acustica, Carlo De Bei all’elettrica, Ivano Berti e Iacopo Peressini ai cori e, last but not least, Veronica Sbergia ai controcanti. Carissimo Sergio, sei stato veramente molto bravo. E, se me lo permetti, anche se ci siamo incontrati solo un paio di volte, vorrei considerarti un vecchio, caro amico.

Non ci sono mai piaciuti i figli di papà, ma se suonano blues la faccenda è ben diversa e si fa più seria!

Al suo debutto con Buchanan Lane nel 2022 Yates McKendree fu salutato come un giovane nuovo grande talento. La Qualified Records, etichetta personale del padre Kevin, creasciuta negli anni del COVID sarebbe ben presto diventata un punto di riferimento, una sorta di etichetta di musicisti per i musicisti, creando occasioni di collaborazione in un momento di difficoltà.
Il giovane McKendree ha bazzicato gli studi di registrazione fin da bambino, si può dire, ci è nato dentro sostanzialmente. Kevin McKendree, per chi non lo conoscesse, è titolare dello studio The Rock House di Nashville, dove registrarono John Hiatt o Delbert McClinton; proprio per un lavoro con quest’ultimo Yates ha vinto un Grammy come fonico in studio. Fu nel 2020, con Tall Dark & Handsome, prima del suo debutto in prima persona.
Questo nuovo lavoro Need To Know prosegue sulla stessa linea d’onda del suo precedente e non aggiunge nulla di nuovo, se non una maggior padronanza dello stile, aggiungendo a una bella serie di perle un brano originale di un certo effetto, Tide. Ma se ci chiedete se è questo il sopund che cerchiamo non possiamo che rispondervi di sì.
Yates figlio d’arte è uno dei ragazzi che vorremmo vicini di casa. C’è una grande passione in questa musica, in certi momenti sembra di essere in qualche bel locale di Nashville. Ecco allora all’opera la vena compositiva di Gary Nicholson, della Nashville Songwriters Hall Of Fame, che ci regala blues da brivido come Burnin’ Tears o l’interessante e densa Need You Know You Better. Alla base troviamo la ritmica jazzata di Steve Mackey al basso e Griffin Photoglou alla batteria, con Robert Frahm alla chitarra, con ottimi inserti di fiati e il piano di papà Kevin e le percussioni dell’amico George Sluppick, come nella tribale Tide, la cui base era un loop di Yates bambino che picchiava sulla lavatrice, registrato dal padre. I Can’t Stop di Willie Dixon farebbe tremare i polsi a molti, ma non a questo gruppo di giovani e meno giovani ragazzoni, che non esitano neppure davanti a una See See Rider che diventa un inno. Trovatelo apena potete, questo disco, vi scalderà l’anima in quest’inverno a venire.

Addirittura osteggiato da certi puristi secondo i quali il blues può essere solo nero, il testardo e diafano albionico John Mayall continuò imperterrito dagli anni Sessanta a riproporre l’ennesimo intelligente album con l’ennesima intelligente reincarnazione dei suoi Bluesbreakers, con l’ennesimo nuovo giovanissimo talento al suo interno. Clapton, Page, Beck… giusto per dire!

Prima band nel 1962, i Powerhouse Four, sula strada tracciata da Pinetop Perkins e Sonny Boy Williamson, anche se la sua più grande influenza, fu J.B Lenoir. Diventò uno degli ospiti fissi delle serate al Marquee Moon di Londra coi suoi Bluesbreakers, un’orchestra in continuo cambiamento, capace di produrre musica da far invidia ai colleghi d’Oltreoceano.

Eric Clapton con lui si cimentò con il blues di Chicago in salsa un po’ rock; Mick Taylor esordì da adolescente in Crusade (1967), per poi partecipare al magnifico concept-album Blues from Laurel Canyon; Peter Green con Hard Road, sempre nel 1967; Freddy Robinson nello straordinario Jazz Blues Fusion del1972, a mio modesto parare il suo capolavoro; Jon Mark con il suo fingerstyle nell’incantevole Empty Rooms; e poi una lista infinita, da Coco Montoya a Buddy Whittington, Rocky Athas, Joe Walsh, Andy Fairweather-Low, Carolyne Wonderland. Questo per limitarsi a quelli che ufficialmente han fatto parte dei Bluesbreakers. Poi dovremmo aggiungerci i vari ospiti, come Steve Cropper, Steve Miller, Joe Bonamassa, Jeff Healy, Billy Gibbons, Walter Trout.
Ma John Mayall, cantante e soprattutto armonicista eccelso, ma anche tastierista e chitarrista, attraverso i Bluesbreakers ha dato spazio anche ad altri strumentisti, oltre i chitarristi: come non pensare ai sassofonisti Chris Mercer e Dick-Heckstall Smith, a un batterista come Jon Hiseman nello sperimentale Bare Wires del 1968. Per non dire dei bassisti: Jack Bruce, Tony Reeves, John Mc Vie, Greg Rzab, dei batteristi Mick Fleetwood, Ainsley Dunbar, Hughie Flint, Colin Allen. Punto!

Mayall ha shackerato skiffle e folk che inondavano i club di Londra e Manchester in un sound più crudo e moderno, con un approccio più spregiudicato al blues, sapendo anche rinunciare alla batteria, proprio negli anni in cui andava di moda il power-trio. Pur senza rinunciare alle suggestioni e ai colori di certa psichedelia californiana.
Sono gli anni di Blues from Laurel Canyon ed Empty Rooms, con Larry Taylor dei Canned Heat, band amatissima da Mayall e il flauto di Johnny Almond e poi l’altro grande live al Fillmore East The Turning Point. Poi l’improvvisa svolta tutta elettrica con una super-band tutta americana con il chitarrista dei Canned Heat, Harvey Mandel, il funambolico violinista Sugan Cane Harris: Usa Union (1970), poco prima del doppio album del 1971 Back to The Roots, registrato tra Los Angeles (dove Mayall ormai viveva) e Londra, con cui assieme ai gli amici di sempre, Clapton e Taylor e il batterista  Keef Hartley, chiude un’epoca memorabile. 

Dopo alcuni anni nell’arco dei quali molti avevano ipotizzato un suo declino, nel 1984 John Mayall riporta in auge i Bluesbreakers cper una serie di disco di buon livello tra i quali Padlock on the Blues (1999)  con John Lee Hooker, Along for The Ride del 2001 accreditato a John Mayall and Friends e il concerto del 19 luglio 2003 alla Liverpool Arena, ripreso anche in DVD, dove festeggia i suoi settant’anni con i suoi alunni Clapton, Chris Barber, Mick Taylor, oltre all’immancabile Buddy Whittington e all’organista Tom Canning.

Una bella panoramica di quegli anni è raccolta nel box del 2006 di 5CD della Eagle Records, Essentially John Mayall, mentre John Mayall So Many Roads è una bella antologia della Universal del 2010 che copre il decennio d’oro 1964-1974.

Nell’ultimo periodo è consigliabile Find Way To Care (2015), Talk About That dell’anno seguente e Nobody Told Me (2019) dove sono presenti Bonamassa, Larry Mc Cray, Todd Rundgren, Steven Van Zandt e Carolyn Wonderland.

E sempre, come lo vedemmo a Udine a metà anni Duemila, nel corso di una memorabile serata di Folkest al castello di Udine, a vendere dischi, merchandise e firmare autografi al banhetto a ogni fine concerto.

Il nuovo lavoro discografico di Cek Franceschetti  & The Stompers rappresenta una virata significativa nella sua carriera artistica. Prodotto da Luca Manenti, batte i sentieri della roots music americana con un pugno di canzoni che mescolano al blues di base interessanti atmosfere folk, con un mix che inevitabilmente fa venire alla mente Ry Cooder o Son House. Il lavoro viene pubblicato e distribuito in tutto il  mercato mondiale dalla prestigiosa etichetta americana Gulf Coast Records, scuderia  di grandi artisti  blues quali: Mike Zito, Popa Chubby, Blood Brothers, Jason Ricci, Joanna Connor e da oggi anche Cek & The Stompers.
L’album è dedicato al grande bluesman americano Louisiana Red ed è composto da dodici brani (undici dei quali originali composti da Cek, fatta eccezione per Please Me di Laura Domeneghini  e la cover Thirteen Days rivisitata e interpretata con il classico piglio di Cek.).

Franceschetti canta, suona la chitarra resofonica e si avvale della collaborazione di un pugno di valenti musicisti: Luca Manenti, cghe cura anche la produzione dell’album, alla chitarra elettrica e al mandolino, Andrea Corvaglia all’armonica e alla voce; Pietro Peg Gozzini al contrabbasso e alla voce e Federica Zanotti alle percussioni e alla voce.

Questa è la sequanza dei brani contenuti nel disco:
1) The Peach And The Snake (02,47) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
2) Mr.Red (03,04) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
3) Juanita (03,25) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
4) Please Me (03,25) (Laura Domeneghini)
5) Breakin’ Deal (04,13) (Cek Franceschetti)
6) Love Corrida (03,21) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
7) The Hat (03,51) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
8) Fairy Tales (03,49) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
9) Seventh Heaven (03,19) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
10) Once Upon A time In The South (03,42) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
11) Goin’ to The Circus (03,02) (Cek Franceschetti, Luca Manenti)
12) Thirteen Days (02,53) (J.J Cale)
 

Basement Blues è un album nel quale sono raccolti tredici brani, tutti racchiusi in un periodo di tempo che va tra il 2008 e il 2015. Inediti e rarità incisi sia dal vivo che in studio. Molti gli ospiti di grande rilievo come Garth Hudson di The Band, Ronnie Earl e Guy Davis e, ci sia consentito, il nostro amatissimo Roberto G. Sacchi, direttore e colonna di questa nostra testata dagli anni Ottanta fino al 2015. Il riferimento alla leggendaria casa Big Pink, legata a Bob Dylan e The Band, dove vennero registrati i famosi Basement Tapes è evidente e dichiarato.

Poggi stesso dichiara:

Il mio incontro con il blues è avvenuto tanti anni fa, alla fine degli anni Settanta, quando vidi per la prima volta al cinema The Last Waltz, il film d’addio di The Band e venni folgorato dal carisma di Muddy Waters e dall’incredibile suono dell’armonica di Paul Butterfield!

Alla fine, ancora una volta, Fabrizio Poggi rende omaggio alla sua passione per i suoi maestri blues, ripportandoci alla temperie culturali di quanto fu folgorato sulla via delle dodici battute!

I brani scorrono via leggeri, con ciascuno la sua parte di magia e di differenti emozioni. Ecco… se dovessimo sintetizzare in qualche questo disco di Fabrizio Poggi, dovremmo parlare di una grande bellezza… Che dite? L’hanno già usata. Eh, va beh… ma non parlava certo di blues, né di queste belle emozioni. Procuratevi questo disco, a ogni costo!

Una ventina di album a suo nome in trentasei anni, dopo il folgorante esordio di Between Midnight and Day. Ha preso parte a dischi di spessore come le Mermaid Sessions, collaborando anche con Alì Farka Toure. Corey Harris è stato più volte ospite del nostro paese, dove ha sempre ottenuto un buon riscontro.
Proprio in Italia, bloccato senza possibilità di rientro negli Stati Uniti durante il periodo della quarantena, s’è messo a lavorare al progetto di questo lavoro discografico, che desse un seguito al suo precedente Free Water Way del 2018.
Ben quattordici sono le canzoni contenute nell’album, ispirate agli assurdi avvenimenti culminati con l’assolto al Campidoglio a Washington il 6 gennaio 2021, alternando classici del blues come Special Rider Blues di Skip James, o in You Gonna Quita Me Baby di Blind Blake, ma anche in Some Of These Days che molti appassionati ricordano nella versione di Charley Patton.
Come afroamericano che vive in America, e come discendente di schiavi che hanno costruito questo paese – afferma Harris – sto cercando di comprendere i meccanismi di sopravvivenza che hanno portato le persone a perseverare nei momenti difficili. E quando penso a questo, ho sempre in mente il Blues.The Insurrection Blues è  uno sguardo inflessibile al desiderio e alla distruzione dell’America del XXI secolo.
The Insurrection Blues è stato registrato nel corso di una sessione eseguita il 21 Maggio 2021 ad Atri, in Abruzzo, dove Harris ha passato il periodo della pandemia prima di tornare negli Stati Uniti; vi hanno collaborato l’armonicista Phil Wiggins e il mandolinista Lino Muoio su due brani.
Bel disco, da ascoltare e possedere.