Un gran bel viaggio viaggio musicale senza confini.
Con Odiseja, il nuovo album dei Baba Yaga, la musica si trasforma in un viaggio attraverso culture, tradizioni e sonorità provenienti da diverse parti del mondo. Un progetto che intreccia klezmer, musica balcanica, gypsy jazz e world music contemporanea, dando vita a un linguaggio musicale ricco di contaminazioni e suggestioni.
Nato dalla multiculturalità di Vienna, città da sempre crocevia di popoli e tradizioni, l’album riflette l’incontro tra mondi musicali differenti: dalla musica classica a quella latinoamericana, dalle influenze africane alle atmosfere orientali. Il risultato è un mosaico sonoro vivace e cosmopolita, nel quale ogni tradizione contribuisce a costruire un’identità musicale originale.
I dodici brani che compongono il disco si sviluppano attraverso sette lingue – bosniaco-serbo-croato, yiddish, rumeno, greco, francese, italiano e spagnolo – alternando composizioni originali, melodie della tradizione e momenti strumentali. Una varietà che diventa il punto di forza dell’intero progetto, capace di attraversare generi e geografie senza perdere coerenza espressiva.
Odiseja è dunque molto più di un semplice album di world music: è un invito all’incontro, alla scoperta e alla contaminazione culturale. La musica dei Baba Yaga supera idealmente ogni confine, trasformandolo da barriera in luogo di passaggio e condivisione. Un itinerario sonoro che celebra la diversità come ricchezza e dimostra come linguaggi musicali lontani possano dialogare e fondersi in un’unica esperienza.

EAN: 9006472047988

Con Irish Folk-Rock, Pietro Sabatini torna a esplorare un universo musicale che ha profondamente segnato il suo percorso artistico: un ritorno alle sonorità celtiche e alla tradizione folk irlandese, vissute per ben trentaquattro anni come componente degli storici Whisky Trail, formazione che ha rappresentato un importante punto di riferimento per la diffusione della musica celtica in Italia.
Il nuovo progetto discografico nasce proprio dal desiderio di riallacciare quel filo musicale mai realmente interrotto, reinterpretando il patrimonio della tradizione irlandese attraverso una sensibilità contemporanea e un linguaggio decisamente più elettrico. Come suggerisce il titolo, Irish Folk-Rock è un incontro tra due mondi: da una parte le melodie popolari, gli strumenti acustici e le atmosfere evocative dell’Irlanda; dall’altra l’energia e il dinamismo del rock.
Sabatini firma un lavoro nel quale è impegnato alla voce, alle chitarre acustiche ed elettriche, al bouzouki, al basso, al bodhrán e alle tastiere, confermando la disinvolta versatilità strumentale che gli viene universalmente riconosciuta. Accanto a lui troviamo due musicisti di grande esperienza, legati anche alla sua precedente avventura nei Whisky Trail: Vieri Bugli al violino e Massimo Giuntini alle uilleann pipes e ai whistles. La loro presenza costituisce uno degli elementi più significativi dell’album, riportando in primo piano quel dialogo tra strumenti e tradizioni che ha caratterizzato una lunga stagione della musica folk italiana. A completare l’organico intervengono Francesco Giomi e Paolo Carniani alla batteria, contribuendo a dare maggiore incisività ritmica agli arrangiamenti e a sottolineare la componente rock del progetto.

Le dieci tracce dell’album, per una durata complessiva di circa quarantaquattro minuti, alternano composizioni originali e riletture di brani tradizionali: la scaletta si apre con The Rakes of Kildare Set, un’introduzione strumentale che dichiara immediatamente le coordinate musicali del disco. Seguono New Old Time Song / Polka e Butterfly, mentre Will Ye Go, Lassie Go riporta l’ascoltatore verso il repertorio melodico della tradizione irlandese. Particolarmente interessante è la presenza di medley e set strumentali, come Break of Day / Morning Reel / Jeffes Reel e Hardiman the Fiddler Set, nei quali il dialogo tra violino, cornamuse irlandesi e sezione ritmica offre spazio a soluzioni dinamiche e coinvolgenti. Non mancano momenti di maggiore distensione, come Hold Me Now, né incursioni nel repertorio tradizionale più suggestivo, rappresentato dalla conclusiva She Moved Through the Fair. È proprio nell’alternanza tra momenti acustici e aperture elettriche che si riconosce la cifra stilistica del progetto. Sabatini non si limita a riproporre un repertorio legato alla tradizione, ma cerca una propria dimensione espressiva, nella quale bouzouki, bodhrán, violino e uilleann pipes convivono con chitarre elettriche, basso e batteria. Il risultato è un folk-rock che guarda alle radici senza rinunciare alla libertà degli arrangiamenti contemporanei. Irish Folk-Rock è dunque un disco che ha il valore di un ritorno, ma anche quello di una nuova partenza. Un progetto nel quale l’esperienza maturata da Pietro Sabatini in oltre tre decenni di attività musicale incontra la voglia di rimettersi in gioco, recuperando atmosfere e sonorità familiari e restituendole con una veste rinnovata.
Un lavoro sincero, animato dalla passione per la musica irlandese e dalla complicità di musicisti che condividono una lunga storia artistica. Un viaggio sonoro che attraversa le verdi colline d’Irlanda, ma che porta con sé anche il percorso umano e musicale di chi, dopo tanti anni, continua a trovare nella tradizione folk una fonte inesauribile di ispirazione.

Quando la tradizione incontra la psichedelia, tra fascinazione e ricerca di un’identità. Il debutto del quartetto franco-colombiano attraversa le molteplici geografie musicali della Colombia, intrecciando ritmi afrodiscendenti, suggestioni tropicali e psichedelia elettrica. Un progetto ricco di intuizioni, che convince soprattutto quando abbandona la dimensione della ricostruzione stilistica per trovare una propria voce.

C’è una Colombia musicale che va ben oltre la cumbia, ormai diventata una sorta di marchio internazionale, spesso utilizzato come scorciatoia per raccontare la complessità sonora del Paese. È proprio da questa consapevolezza che prende le mosse Pasaje, album d’esordio degli Aïtawa, quartetto franco-colombiano di stanza a Lione. Un lavoro che si propone di esplorare territori musicali meno frequentati, recuperando tradizioni afro-colombiane e mettendole in relazione con il linguaggio della psichedelia tropicale. Un progetto ambizioso, animato da una sincera curiosità culturale e da una notevole energia ritmica, ma non sempre altrettanto efficace nel tradurre la ricchezza delle proprie premesse in una personalità sonora pienamente riconoscibile.

Il centro gravitazionale della formazione è Luisa Caceres, cantante e polistrumentista di origini colombiane, la cui formazione musicale è profondamente legata allo studio delle tradizioni popolari del proprio Paese. laureata all’Accademia di Arti Superiori di Bogotá, ha dedicato un importante lavoro di ricerca ai compositori della costa atlantica colombiana, approfondendo sul campo i linguaggi musicali delle comunità caraibiche e pacifiche. Un percorso che l’ha portata a confrontarsi con importanti interpreti della scena latinoamericana e a collaborare, dopo il trasferimento in Francia, con formazioni come Cumbia y Cardon e The Bongo Hop.

Questa esperienza costituisce il principale patrimonio degli Aïtawa, ma anche una responsabilità artistica: confrontarsi con tradizioni musicali complesse significa infatti evitare che la ricerca si trasformi in una semplice esposizione di repertori e riferimenti. In Pasaje il gruppo affronta la sfida con risultati interessanti, soprattutto nella capacità di far dialogare linguaggi differenti senza ridurli a un generico colore esotico. La materia prima è particolarmente ricca. Accanto alla cumbia, gli Aïtawa esplorano la chirimía della costa pacifica, il bullerengue afro-caraibico e la champeta di Cartagena, genere urbano profondamente influenzato dal soukous congolese. Sono tradizioni che portano con sé storie di migrazioni, contaminazioni e resistenza culturale. Il quartetto le rilegge attraverso una strumentazione che affianca gli strumenti tradizionali a Fender Rhodes, chitarre elettriche, sassofono e una sezione ritmica decisamente contemporanea. È qui che Pasaje rivela il suo volto più seducente. Le percussioni costruiscono un movimento incessante, il basso lavora su linee avvolgenti e ripetitive, mentre le tastiere introducono atmosfere ipnotiche che rimandano alla stagione della psichedelia tropicale degli anni Settanta e Ottanta. Il risultato è un impasto sonoro caldo e coinvolgente, capace di alternare momenti di grande immediatezza a passaggi più dilatati e visionari.

Tuttavia, proprio questa ricchezza di riferimenti rappresenta anche uno degli aspetti più problematici dell’album. La volontà di tenere insieme numerose tradizioni e altrettante suggestioni internazionali rischia talvolta di produrre una certa sovrabbondanza stilistica. Alcuni arrangiamenti sembrano procedere per accumulo di elementi, come se la forza evocativa delle singole componenti dovesse necessariamente tradursi in un’identità collettiva. Ma la somma delle influenze non coincide sempre con la definizione di un linguaggio originale. In alcuni momenti si avverte la sensazione che gli Aïtawa siano più convincenti nel ricreare un’atmosfera che nel sovvertirla, più abili nel costruire un paesaggio sonoro riconoscibile che nell’imprimervi una svolta davvero personale. Non si tratta, naturalmente, di un limite insormontabile, soprattutto per un lavoro d’esordio. Piuttosto, è una questione di equilibrio: quando il gruppo lascia respirare le strutture ritmiche e concede spazio alle singole intuizioni strumentali, la musica acquista profondità e carattere; quando invece le diverse componenti vengono sovrapposte con eccessiva insistenza, il rischio è quello di una psichedelia tropicale che rimane piacevole, ma in parte prevedibile. Anche sul piano tematico il disco ambisce a qualcosa di più di un semplice intrattenimento danzante. Il titolo Pasaje, traducibile come passaggio o transizione, richiama un’idea di movimento che riguarda tanto le persone quanto le culture. Le canzoni affrontano questioni importanti come lo sfollamento forzato, la violenza politica in Colombia, la memoria storica e la precarietà dell’esistenza contemporanea, accanto a temi più intimi come l’amore e le relazioni. La scelta di affidare a ritmi vitali e trascinanti contenuti di questa complessità è una delle intuizioni più interessanti del progetto. La danza non viene proposta come evasione, ma come forma di affermazione collettiva, come possibilità di resistere e continuare a esistere nonostante le ferite della storia. Resta però una certa distanza tra la profondità delle tematiche evocate e la loro effettiva traduzione in una scrittura musicale e lirica altrettanto incisiva. Il disco suggerisce, più che approfondire, lasciando talvolta che sia il contesto culturale a conferire significato a composizioni che sul piano strettamente musicale potrebbero spingersi più lontano. Tra i momenti più riusciti si distingue Sabrosura ‘e gaita, dove la componente ritmica trova una sintesi particolarmente efficace e la band dimostra una notevole naturalezza nell’intrecciare le proprie influenze. La Contra e Dime que tú quieres, singoli di lancio dell’album, puntano invece su melodie immediate e groove coinvolgenti, rappresentando il versante più accessibile della proposta. Meno convenzionale, almeno nelle intenzioni, Que el miedo se acabe, brano che assume il valore di una dichiarazione contro la paura e la violenza collettiva, affidando alla musica una funzione apertamente liberatoria.

La produzione analogica realizzata presso il Back to Mono Studio contribuisce a dare coesione al progetto. Il suono è organico, caldo, lontano da certe levigatezze digitali che rischiano di uniformare le produzioni contemporanee. Gli strumenti conservano una presenza fisica e una buona profondità, anche se una maggiore varietà nelle soluzioni dinamiche avrebbe probabilmente restituito ancora più incisività ad alcuni passaggi. Registrazione, missaggio e masterizzazione sono a cura di Christian Hierro, mentre la copertina è a cura di Félix Vincent. Tutte le musiche sono state scritte da Aïtawa, salvo Van Cantado Por La Sierra, composta da Emilio Murillo. La formazione del gruppo vede all’opera Luisa Caceres al canto, saxofono, gaitas, maracas e guasas; Lucas Territo alla chitarra e ai cori; Lorenzo Morrone alla batteria, alegre e cori; Antonin Cognet al basso Rhodes, tastiere e cori.

Pasaje è dunque un esordio interessante, con una precisa identità culturale e una notevole capacità di coinvolgimento, ma non ancora del tutto risolto sul piano della personalità compositiva. Gli Aïtawa dimostrano di conoscere profondamente le tradizioni alle quali guardano e di possedere gli strumenti per rileggerle in chiave contemporanea. La sfida, per il futuro, sarà quella di emanciparsi progressivamente dalla forza dei propri riferimenti, trasformando la ricchezza della ricerca in un linguaggio sempre più autonomo. Per ora resta un album che merita attenzione soprattutto per la sua capacità di aprire finestre su una Colombia musicale meno conosciuta, restituendone la vitalità e la complessità senza rinunciare al piacere fisico del ritmo. Non tutto è ancora perfettamente a fuoco, ma quando gli Aïtawa trovano il giusto equilibrio tra radici e sperimentazione, Pasaje riesce davvero a diventare qualcosa di più della somma delle sue influenze: un viaggio sonoro autentico, attraversato da una tensione creativa che lascia intravedere sviluppi promettenti.

Lino Straulino ci porta a un blues delle radici e la memoria del Mississippi sulle rive del Tagliamento.
C’è chi custodisce la tradizione e chi la trasforma in qualcosa di nuovo. Lino Straulino appartiene alla seconda categoria. Da oltre trent’anni è il volto più autorevole della musica friulana, un artista capace di intrecciare ricerca, memoria e sperimentazione senza mai perdere il legame con le proprie radici. Cantautore, chitarrista e musicologo, ha costruito un percorso unico, facendo dialogare i canti popolari del Friuli con il folk britannico, il classic rock americano e, oggi, il blues più arcaico. Un percorso nel quale incide anche la sua passione per le sonorità dimenticate e il suo essere un raffinato collezionista di dischi in vinile. La sua curiosità musicale lo ha portato a frequentare territori poco battuti, approfondendo repertori e protagonisti spesso trascurati dalla storia ufficiale della musica.
Artista instancabile e dalla contagiosa vitalità, Straulino continua a portare la propria musica sui palchi, nelle registrazioni in studio e persino tra le mura domestiche. La sua stessa abitazione è diventata un luogo di spettacolo virtuale, dando vita a performance online che hanno mantenuto vivo il rapporto con il pubblico negli ultimi anni; quando ha un’idea ben defniti, Lino la mette in rete, in una sorta di in instant song-writing.
Ora abbiamo tra le mani quest’ultimo album, Madracs (il madrac in friulano è il serpente, ma può anche indicare una persona cattiva oppure un andamento serpeggiante, come nel caso di un fiume, per esempio il Tagliamento, o il But, il Natisone o il Mississipi) pubblicato dalla Nota, etichetta udinese diretta da Valter Colle, e ci immergiamo nel blues delle origini: quello essenziale, viscerale e popolare che, circa un secolo fa, animava le comunità lungo le rive del Mississippi.
Straulino intende recuperare (e ci riesce!) lo spirito di una musica nata dalla vita quotidiana, dalla memoria collettiva e dal racconto delle persone comuni: paesaggi e storie che assorbono ciò che incontrano e restituiscono un patrimonio di emozioni e suggestioni.
La copertina raffigura un incantatore indiano di serpenti: un’immagine evocativa, perfettamente in sintonia con l’atmosfera dell’opera.
La registrazione, del luglio 2023 e realizzata in casa, mantiene un approccio diretto e spontaneo, mentre il repertorio è composto da pezzi originali, con l’eccezione di una rilettura de The house of the rising sun.
Un lavoro genuino, nel quale Straulino si confronta con il blues rurale e contadino senza indulgere in esercizi di nostalgia o semplici imitazioni, con sonorità asciutte e intense e una buona padronanza stilistica. Madracs non è soltanto un omaggio a una stagione lontana della musica americana, ma una nuova tappa di una ricerca artistica che continua a mettere in comunicazione culture, tradizioni e sensibilità differenti.

Dal Tagliamento al Mississipi, appunto… e in lingua friulana!

L’Aurora vince la ventiduesima edizione del Premio Bianca d’Aponte, il concorso per cantautrici che si tenuto venerdì e sabato al Teatro Cimarosa di Aversa. Alla vincitrice va una borsa di studio di 1.000 euro e la partecipazione come ospite alla prossima edizione del Premio. L’Aurora si aggiudica inoltre la targa per la migliore interpretazione.

Rosita Brucoli porta a casa invece il Premio della Critica “Fausto Mesolella” (storico direttore artistico dell’evento), con una borsa di studio di 800 euro e la possibilità di esibirsi come ospite al Premio Nilla Pizzi il prossimo novembre. A lei anche il premio dell’etichetta femminile Maieutica Dischi di Veronica Marchi (vincitrice della prima edizione del Premio) per la produzione e pubblicazione di un brano.

La giuria generale ha assegnato inoltre la targa al miglior testo (dedicata a Oscar Avogadro) a Mabi e quella alla migliore musica a Bambina, che avrà anche l’opportunità di partecipare al festival Femminile plurale di Montella (Avellino).

MVR si è meritata invece il Premio ’Na stella del Virus Studio, con l’incisione di un brano con la produzione artistica di Ferruccio Spinetti e Alessandro Guasconi, mentre a Natalia Abbascià va una proposta per una possibile collaborazione artistica con l’etichetta Suoni dall’Italia di Mariella Nava.

Erano in finale anche Fabula, Miriam Ricordi, Sarai e Simona Valente.

Al di là dei premi assegnati, per alcune finaliste ci saranno anche diverse possibilità di suonare dal vivo in appuntamenti legati al Premio che periodicamente vengono organizzati in Italia e all’estero. Ad esempio a Praga, all’Istituto italiano di cultura, o a Roma, a Officina Pasolini.

Negli scorsi mesi intanto il NuovoImaie ha confermato il contributo economico di € 10.000 (grazie ai fondi dell’art. 7 L. 93/92) finalizzato a realizzare un tour di cinque concerti per la vincitrice dell’edizione 2025, Micaela Tempesta.

Il Premio Bianca d’Aponte si conferma quindi non solo un importante palcoscenico ma anche un contenitore di concrete opportunità artistiche e professionali.

Fra queste anche la possibilità di rapportarsi con prestigiosi ospiti che si sono alternati con loro sul palco, a partire dalla madrina Marina Rei e da Peppe Barra, che ha ricevuto il premio alla carriera della Città di Aversa. Ma anche Nino Buonocore, Andrea Mirò, Angela Baraldi, Moonari, Rossana De Pace, Alfina Scorza e la vincitrice della scorsa edizione Micaela Tempesta.

Si è esibita anche Koyel Basu, la vincitrice del Premio Bianca d’Aponte International, selezionata fra le concorrenti del Premio Andrea Parodi, festival gemellato con il d’Aponte, tenutosi nei giorni precedenti a Cagliari. Inoltre, un gruppo di alunni del liceo classico e musicale Domenico Cirillo di Aversa ha proposto Anima scalza, una canzone di Bianca d’Aponte, la cantautrice prematuramente scomparsa a cui è dedicata la manifestazione.

La direzione artistica del Premio è di Ferruccio Spinetti, mentre a condurre le serate sono stati Carlotta Scarlatto e Ottavio Nieddu. Una band residente, coordinata da Alessandro Crescenzo, ha accompagnato alcune concorrenti e alcuni ospiti.

Il Premio Bianca d’Aponte è organizzato dall’Associazione Bianca d’Aponte, con la collaborazione di Doc Live.  È realizzato anche con il contributo della Fondazione Banco di Napoli e di NuovoIMAIE e con il patrocinio della Regione Campania. 

per maggiori informazioni: info@biancadaponte.it

Sito web: www.premiobiancadaponte.it

Rik Palieri e Fabrizio Poggi sono in corsa per la nomination ai GRAMMY® nella categoria Best American Roots Performance, con il brano Bella Ciao – A Partisan’s Farewell.
Categoria: American Roots Performance
Album: Bella Ciao – A Partisan’s Farewell
Artisti: Rik Palieri e Fabrizio Poggi
Link per l’ascolto:
https://youtu.be/3IuZSz5fWq8

BELLA CIAO – A PARTISAN’S FAREWELL di RIK PALIERI & FABRIZIO POGGI (USA/ITALY) è stata pubblicata il 1° agosto 2026 su tutte le piattaforme digitali, portando ancora una volta all’attenzione internazionale i valori universali di libertà, coraggio e memoria che il progetto intende celebrare.

Rik Palieri, originario del Vermont (USA), è cantautore, scrittore, produttore, regista e conduttore televisivo. Le sue interviste video sono conservate presso la prestigiosa Biblioteca del Congresso di Washington D.C. Nel corso della sua carriera ha condiviso il palco con autentiche leggende del folk americano, tra cui Pete Seeger di cui era molto amico, Bruce Springsteen, Tom Paxton, Utah Phillips e Ramblin’ Jack Elliott, affermandosi come una delle voci più appassionate nella tutela della tradizione musicale popolare.

Queste le sue parole sul progetto:
Bella Ciao è un’antica canzone della Resistenza italiana. L’ho sempre amata profondamente, ma non sono mai riuscito a cantarla in italiano e le traduzioni inglesi esistenti non mi sembravano capaci di restituirne fino in fondo l’anima. Ho deciso quindi di scrivere un testo personale, cercando di raccontare questa storia da una prospettiva diversa, più intima e vicina al cuore del partigiano. La canzone dà voce a quell’ultimo, struggente saluto che tanti combattenti della Resistenza rivolsero alle proprie famiglie prima di partire per la guerra, senza sapere se sarebbero mai tornati.
Ho chiesto al mio amico italiano Fabrizio Poggi, straordinario armonicista milanese, di partecipare al progetto, sapendo quanto anche lui fosse legato a questa canzone. Solo in seguito ho scoperto che suo nonno era stato un partigiano, morto durante la Resistenza. Di fronte al suo entusiasmo e al coinvolgimento emotivo con cui ha accolto questa registrazione, ho iniziato a pensare che questa canzone avesse una vita propria.
Insieme al musicista e produttore Phil Henry abbiamo lavorato per creare quello che amo definire un vero e proprio dipinto sonoro, capace di raccontare questa storia attraverso la musica e le emozioni. Fedeli allo spirito del progetto, abbiamo scelto per la copertina un’opera di Elizabeth Fuchs, zia di mia moglie Marianna. La famiglia di Marianna si oppose al regime nazista ed Elizabeth, illustratrice e disegnatrice politica, perse la vita per mano di quello stesso regime. In suo omaggio abbiamo utilizzato una delle sue prime opere, realizzata nel 1934.
Questa registrazione è dedicata alla memoria di tutti coloro che, in ogni tempo e in ogni luogo, hanno avuto il coraggio di resistere.

di Andrea Del Favero

Un’edizione importante del Premio Andrea Parodi, la diciannovesima, quella che si è appena conclusa a Cagliari al Teatro Massimo, per l’organizzazione dell’omonima Fondazione, presideduta da Valentina Casalena e sotto la direzione artistica di Elena Ledda. Significativa anche perché volutamente si è fatto in modo di far cadere la serata conclusiva con il ventesimo anniversario della scomparsa dell’amatissimo artista sardo. Parodi era diventato, prima con i Tazenda e poi con un importante percorso solistico, un nome di rilievo proprio nell’ambito della world music. Come tradizione, durante la tre giorni è stato ricordato attraverso canzoni del suo repertorio proposte dai finalisti e dagli ospiti.

Alla fine di tre intense giornate la calabrese Angelica Perri è risultata vincitrice, portandosi a casa pure il premio della critica e la menzione della giuria internazionale. sorretta da un’ottima formazione si muove fra tradizione e canzone d’autore senza stravolgimenti, ma con un piglio sicuro in un ambito di piacevole e creativo déjà vu. Oltre al Premio del Nuovo Imaie per la realizzazione di una tournée nel corso del 2027, Angelica Perri parteciperà di diritto alle serate finali del Premio Andrea Parodi 2027 a Cagliari, a Jazz in Sardegna, a Folkest a San Daniele del Friuli e al Festival del torto in Sicilia.

In questo Premio Parodi 2026 tutto al femminile e con concorrenti provenienti da Europa, Asia, Sudamerica e Nordamerica, la menzione per la miglior musica è andata alla friulana Momi, presentatasi come pianista, accompagnata da un trio di ottimi musicisti con chitarra, basso e batteria, che hanno proposto un arrangiamento moderno e del brano, per il quale forse avrebbero meritato una menzione.

Il premio per il miglior arrangiamento è stato assegnato invece a Nubras Ensemble, un gruppo piuttosto numeroso che avevamo già avuto modo di ammirare in passato, formato da musicisti provenienti da Italia, Spagna, e Romania, con un piede nel Mediterraneo e molto di più nell’area balcanica, in un melange ricco di fascino e piacevolmente incline al ballo.

La menzione per la migliore interpretazione è andata a Elana Sasson (California/Spagna), che si muove tra ispirazioni diverse, mantenendo un forte legame con radici popolari curde e persiane. Non vi nascondiamo di aver avuto aspettative importanti nei suoi confronti, visti i numerosi riconoscimenti di importanti testate d’informazione e soprattutto la segnalazione come miglior artista esordiente del 2026 nell’ambito di UPBEAT. Forse da rivedere, ma in questa occasione ampiamente sotto le previsioni.

La menzione per il miglior testo invece se l’è aggiudicata Hita Del Rio (Colombia/Francia). L’interprete franco-colombiana è stata anche premiata anche dagli altri concorrenti con la targa da loro assegnata, grazie al suo intreccio – come si legge nella sua presentazione – di canzone latino-americana, folk e jazz, con la poesia al centro di un universo che esplora l’amore, le radici, il tempo e la trasformazione. In modo decisamente intrigante.

Il premio per la miglior re-interpretazione di un brano di Andrea Parodi è invece assegnato direttamente dalla Fondazione Andrea Parodi ed è andato alla campana Chiarè, cantante e contrabbassista che vi consigliamo di tenere d’occhio e che forse ha raccolto poco dalle giurie in questa edizione del Premio. A lei è andata inoltre la menzione dei ragazzi in sala.

Infine anche Koyel Basu, naive e quasi surreale in certi momenti, con le sue frammistioni bengalesi, britanniche e messicane, infine porta a casa il Premio Bianca d’Aponte International, guadagnandosi la partecipazione alle serate finali del Premio per il 2026.

Sotta la conduzione delle serate di Gianmaurizio Foderaro e Ottavio Nieddu, un schiera di ben selezionati ospiti ha condito di delizie le tre serate, a partire da un Bungaro concentrato, emozionato ed emozionante la prima sera, per poi passare a Paolo Fresu che ha ricevuto il Albo d’Oro 2026, esibendosi in un’intensa interpretazione di No photo reposare con Bebo Ferra alla chitarra e Pierpaolo Vacca all’organetto, ammaliando poi l’intero teatro interagendo con Bungaro nell’inedito nuovo brano dell’autore salentino dedicato ad Andrea Parodi.

Hanno completato il lussuoso cast di queste serate Luisa Briguglio con il suo quartetto, vincitrice assoluta del concorso nel 2025, che ha confermato la grandissima crescita professionale realizzata nell’ultimo anno, Gigi Marras, finalmente sul palco e non solo dietro le quinte, con Andrea Rggeri alle percussioni e Silvano Lobina al basso e infine il progetto Bent’e mari che vede coinvolti Elena Ledda, Matteo Leone, Marzouk Mejri e Roberto Taufic, che è una produzione originale Medinsard. Molte bocche spalancate e grande musica.

Ricordiamo che tre erano le giurie di fronte alle quali si sono esibiti i concorrenti: quella tecnica, quella critica e quella internazionale, composte da autorevoli addetti ai lavori, come cantanti, autori, musicisti, responsabili di festival, manager, discografici, uffici stampa, giornalisti, critici musicali, sia italiani che internazionali.

Molto ricco, come di consueto, il contorno di approfondimento che, come ogni anno, spaziava tra incontri per i musicisti (diritti connessi e diritto d’autore) con Andrea Marco Ricci e Claudio Carboni, la presentazione di immagini tratte dall’archivio del Museo Multimediale Andrea Parodi, uno showcase dell’accademia I fiori di S’ardmusic, un racconto radiofonico di Andrea, condotto da Elisabetta Malantrucco per Rai Radio Techeté con Elena Ledda, Bungaro e Ottavio Nieddu. Per finire con un incontro su musicisti emergenti, politiche culturali e musica dal vivo in Italia, condotto da Jacopo Tomatis con la parteciapzione di Claudio Carboni, Andrea Del Favero, Elisabetta Malantrucco ed Elena Ledda. Se la domanda era a cosa servono i concorsi e i Premi con il Premio Parodi, il Premio Cesa, il Premio Bianca d’Aponte? – una risposta chiara non è stata data, ma una serie di spunti di riflessione sono stati posti dagli intervenuti. Con la certezza, da parte di chi scrive, che in quest’italietta dozzinale dove stiamo trascinando i nostri giorni toglierci anche questi momenti di gioia per gli occhi, per le orecchie e per il cuore sarebbe un crimine contro l’umanità.

Il Premio Andrea Parodi, sul quale non abbiamo dubbisul perché esista e sul perché debba continuare a vivere, è realizzato con sincera passione e grande competenza dall’omonima Fondazione grazie alla Regione Autonoma della Sardegna (Assessorato della pubblica istruzione, beni culturali, informazione, spettacolo e sport e Assessorato del turismo, artigianato e commercio); Fondazione di Sardegna, Comune di Cagliari, Comune di Quartu Sant’Elena.

Molti sono i partner: Jazz In Sardegna (Sardegna), Premio Bianca d’Aponte (Campania), Folkest (Friuli Venezia Giulia), Premio Città di Loano Per La Musica Tradizionale Italiana (Liguria), Mare e miniere (Sardegna), Ittiritmi (Sardegna), Festival del Torto (Sicilia), Monferr’Autore (Piemonte), Associazione Culturale S’ardmusic (Sardegna), Associazione Diversamente Odv, Associazione Vico (Voci e immagini della cultura orale), Tazenda Società Cooperativa, Fondazione Barumini – Sistema Cultura, Fondazione Faustino Onnis, Archivio Mario Cervo, Teatro Massimo di Cagliari, Labimus – Laboratorio interdisciplinare sulla musica dell’Università degli studi di Cagliari, dipartimento di lettere, lingue e beni culturali, S.I.A.E., Nuovo Imaie, Rai Sardegna, U.N.A. (Unione Nazionale Autori), Af Motors, Boxoffice Sardegna, Produzioni Sardegna, Cuore Dell’isola, Consorzio Cagliari Centro Storico. Nutrito anche l’elenco dei media partner: Rai Radio 1, Rai Isoradio, Rai Radio Techetè, Gruppo L’Unione Sarda, Radio Popolare, Eja Tv, Sardegna Notizie, Radio Sant’Elena, Soundinia, Il giornale della musica, Blogfoolk, Folk Bulletin, Mundofonias (Spagna), Petr Doruzka (Rep. Ceca), Radio Wira Wiri (Olanda), Musica italiana a Parigi (Francia), Les Rutes Del So (Catalogna)

foto originali di Andrea Del Favero

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